L’invention de l’art abstrait date très précisément de 1910, grâce à Kandinsky qui, vivant à Munich, réalise là ses premières gouaches véritablement abstraites. En 1912, il compose, parmi d’autres oeuvres majeures qu’il titre Compositions, un de ses tableaux fondamentaux: Avec l’arc noir, aujourd’hui conservé au Centre Georges Pompidou. Après un séjour au Bauhaus, il rejoindra, en 1933, à Paris, Mondrian, les Delaunay, Arp, Schwitters et tant d’autres déjà réunis autour du critique Michel Seuphor. Mais, à peine installés à Paris, bien des artistes doivent fuir la montée du nazisme. Ainsi, Mondrian, Albers, Ernst, Masson, Chagall, Lipchitz, Matta, Zadkine, et tant d’autres…partent pour les U.S.A., principalement à New York. Là-bas, l’écriture automatique de Masson et le dripping, inventé par Max Ernst en 1942, s’imposent vite.

En France, pendant ce temps, malgré l’Occupation allemande, l’internement ou la clandestinité, certains artistes, encore actifs, s’engagent dans une voie autre, nouvelle qui les éloigne sensiblement du classicisme, de l’orthodoxie de l’enseignement reçu. Quelques tentatives d’évolution plastique se mettent en place, grâce à des peintres comme Le Moal, Bazaine, Manessier, Estève, Gischia ou Lapicque. Ils montrent alors leurs oeuvres à la Galerie Braun, ou mieux encore chez Louis Carré, et témoignent de leur éloignement de la représentation de la nature et donc d’une certaine façon de la figuration de grande tradition française. Le thème du paysage évolue, se schématise et se fait plus abstraite. Cela conduit à un réel éclatement qui s’amplifie, puis s’impose après la Libération de 1945. Les retours de captivité ou de clandestinité pour certains, et d’exil pour d’autres viennent grossir les rangs des tenants de cet élan lyrique naissant qui mènera un grand nombre d’entre eux jusqu’à l’apothéose du geste.

La vie artistique reprend naturellement ses droits. Dans la foulée, bon nombre de nouvelles galeries ouvrent leurs portes, principalement tenues par des femmes comme Denise René, Lydia Conti ou Colette Allendy, qui, enthousiastes, soutiennent ces jeunes artistes. Place Vendôme, René Drouin, offre déjà ses cimaises à Wols. L’élan lyrique prend alors un réel essor. Assez rapidement, d’autres artistes viennent grossir la petite troupe. Ils se lancent à leur tour dans cette nouvelle aventure, fortement attirés aussi par la totale liberté et l’indépendance de ce puissant mouvement naissant qui n’est et ne sera jamais une Ecole. Une précision s’impose: l’abstraction se divise en deux parties, en deux clans bien distincts, d’une part la Géométrie et d’autre part le Lyrisme. A la rigueur froide de la première, s’opposent la chaleur et la générosité du geste et de la matière de l’autre. Certes, l’artiste a le choix, et peut passer de l’une à l’autre, mais une seule fois, bien entendu. Ce que quelques-uns firent.

Dès le commencement, les paternités se définissent. Pour certains ce n’est pas vraiment nécessaire, alors que pour d’autres, le père est Bissière, qui enseignait avant la guerre à l’Académie Ranson. D’autres encore, désignent le peintre allemand Wols, dont la révélation de l’oeuvre s’impose très tôt, et principalement à Georges Mathieu qui, d’emblée, joue un rôle très important dans cet envol. Bissière et Wols sont tous deux exposés par René Drouin, respectivement en 1945 et 1947, lequel présentera également Fautrier, Kandinsky, Michaux et les premières sculptures abstraites. Dans le même temps, les galeries Jeanne Bucher, Pierre, Arnaud et d’autres encore, s’engagent immédiatement dans ce fulgurant essor. A cette époque, Schneider, Hartung et Soulages sont liés d’amitié, ils forment depuis lors un trio resté emblématique de ce mouvement. Mais, n’oublions pas que, dès 1922, au Bauhaus, Hartung réalise une importante première série d’aquarelles tachistes, puis des peintures, dix ans plus tard. Un des grands aînés, Gérard Schneider, lui, se rapproche de l’abstraction vers 1935. D’autres, comme Vieira da Silva, Atlan, Bryen, Poliakoff, Reichel ou Staël travaillent aussi dans des directions aux concepts bien personnels, et ce parfois avant 1940. Hélas, certains d’entre eux verront leur parcours esthétique limité par une vie tragiquement écourtée; d’autres, au contraire, sauront parfaitement mettre à profit leurs longévités enrichissantes.

Chacun de ces artistes protège sa propre personnalité, préservant autant son identité que sa culture. Un des points forts de cette Envolée lyrique repose sur ce que chacun des acteurs y participant reste totalement libre et indépendant dans sa démarche. Ils ont tous emboîté le pas, s’inscrivant dans diverses subdivisions plastiques du lyrisme naissant: informel, gestuel, paysagisme abstrait, tachisme, matiérisme et autres “ismes”. Mais tous, privilégient le geste et la lumière. Certains manient plus la matière, tandis que d’autres préfèrent le papier à la toile (Wols, Michaux, Reichel). Etant passés par la tendance géométrique, certains avancent au travers de recherches parfois plus aux limites du lyrisme. Les synthèses de Poliakoff et Soulages sont à ces mêmes limites, alors que d’autres encore frôlent toujours la figuration.